La Discothèque Idéale (détaillée)

A l’instar de groupes tels que Crematory ou Paradise Lost, Sentenced a fait ses débuts au sein de la scène Death-Metal avant d’évoluer vers une musique plus mélodique. Ainsi, si l’on doit coller une étiquette à cet album, on dira que Sentenced fait du Metal Gothique. Mais attention, la musique pratiquée par Sentenced n’a rien à voir avec celle, très orientée radio (et minettes), pratiquée par ses confrères Finlandais de HIM ou 69 Eyes. Non, si on doit faire une comparaison avec un groupe établi, on cherchera plutôt du côté du « Draconian Times » de Paradise Lost, justement, du fait de l’approche très classique (et classieuse) que les deux groupes ont en commun. J’entends par là que le groupe privilégie les guitares plutôt que la surenchère de claviers. Les deux guitaristes du groupe nous démontre ainsi l’étendue de leur talent au travers de riffs tranchants (mais toujours mélodiques) sur des titres tels que « Bleed in my arms », « No more beating as one » ou « Dead moon rising », ou grâce à de nombreux arpèges en son clair emprunts de mélancolie (« Home in despair », « Fragile », « One more day ») mais qui se font parfois plus sinistres (« Dead moon rising »).

Le chanteur, Ville Laihiala, a une voix très agréable, chaude et pas « caverneuse », évitant ainsi l’erreur qui consisterait à imiter le vocaliste de Sisters Of Mercy, chose récurrente dans ce style musical. D’ailleurs cet album contient de nombreux refrains, très bien trouvés et facilement assimilables, permettant à Ville Laihiala d’exprimer pleinement ses qualités vocales (« Broken », « Killing me, killing you »).

Le groupe a, quelques fois, recours aux claviers, notamment sur « Killing me, killing you », qu’on pourrait prendre, à l’écoute des premières notes, pour un morceau propice à un petit frotte-bedène (slow en Auvergnat) avec votre chère et tendre. Malgré tout, au bout d’une minute d’intro, c’est toutes guitares devant que le groupe viendra interrompre votre danse langoureuse dans cet hymne à la tristesse et la solitude (cf le clip vidéo de ce titre). Tristesse et mélancolie sont d’ailleurs le leitmotiv de cet album, atmosphère renforcée par l’utilisation d’un tempo plutôt lent. Le groupe s’en sort cependant très bien sur les morceaux plus rythmés comme « Broken » dont je vous recommande l’écoute.

On peut être, malgré tout, formuler quelques reproches à l’égard de cet album. Le groupe est un peu en perte de vitesse sur les derniers titres, moins inspirés et plus « poussifs ». On peut également regretter l’utilisation de guitares acoustiques en soutien de certains riffs car elles diminuent l’efficacité de ceux-ci (cet avis reste très personnel). Et puis le riff de « Home in despair » est un peu pompé sur « No prayer for the dying » d’Iron Maiden, mais rien de bien grave. Enfin, le côté très accrocheur des refrains pourra certainement décevoir certains auditeurs mais, pour moi, ce qu’il faut retenir de cet album c’est sa richesse musicale et la qualité de la majeure partie des titres. « Crimson » est un excellent album de Metal mélancolique, parfaitement construit, et c’est bien là l’essentiel.

Avant toute chose, je tiens à préciser que ce DVD paru en 2002 (soit 5 ans après le split) a été réalisé sans l’avis des membres du groupe, ce qui explique qu’il n’apparaisse pas dans la discographie officielle des brésiliens. Rien d’étonnant de la part de Roadrunner que l’on sait toujours prompt à faire marcher le tiroir caisse en nous sortant de derrière les fagots un produit estampillé d’un des groupes phares du label, de préférence lorsque celui-ci a déjà quitté le navire. Et malgré tout, même si je suis loin de cautionner cette attitude purement commerciale, je me suis retrouvé, dès la sortie de ce « Chaos DVD », à courir chez mon disquaire préféré pour me procurer l’objet du délit. Car pour une fois, cette sortie tombait plutôt bien : mes VHS du groupe commençant à donner des signes de faiblesse, « Chaos DVD » était l’occasion rêvée de retrouver toutes les vidéos de Sepultura réunies sur une même galette. Vous l’aurez compris, ce DVD n’est donc pas une nouvelle production du groupe mais simplement une compilations de vidéos déjà dans le commerce : « Under Siege », « Third World Chaos » et « We are what we are »


« Under Siege – Live in Barcelona » :

Filmé en mai 1991 à Barcelone sur la tournée Arise, « Under Siege » est le parfait témoignage de la montée en puissance des brésiliens et représente, selon moi, leur apogée musicale. Même si le véritable succès commercial viendra plus tard avec « Chaos AD » et « Roots », ce live démontre à quel point Sepultura a progressé depuis ses débuts avec « Bestial Devastations » pour devenir une véritable machine de guerre, puissante et infaillible. Rien à jeter donc : la qualité d’image est parfaite avec de multiples angles de caméras, le son est excellent et surtout, la prestation du groupe est sans faille (rien à voir avec le live plutôt fade « Under A Pale Grey Sky »). Ce live est aussi l’occasion de retrouver le meilleur des « vieux » titres de Sepultura joués dans leur intégralité et à vitesse grand V. D’ailleurs, on souffrirait presque pour Igor Cavalera tellement il se démène derrière ses fûts, refusant d’en mettre une à côté. Le public sait se montrer présent, prêt à manger dans la main d’un Max Cavalera déchaîné, attitude qui contraste complètement avec le calme dont il fait preuve en interview. En effet, on retrouve également différentes interviews dans cette vidéo qui, si elles ont le défaut de s’intercaler entre les séquences lives, nous permettent de mieux connaître le quotidien des musiciens : les débuts du groupe, la violence durant les concerts, la vie au Brésil.


« Third World Chaos » :

En comparaison, « Third World Chaos » est plus difficile, mélangeant séquences live de qualités variables, interviews ainsi que tous les clips du groupe depuis « Beneath the Remains » jusqu’à « Chaos AD ». La majeur partie des séquences live est filmée à Donington sur la tournée « Chaos AD » avec une qualité d’image et de son honnête. Ce qui n’est pas le cas des autres extraits de concerts qui sont surtout l’occasion de retrouver le groupe jammant sur des reprises avec des amis musiciens tels que Jello Biafra (Dead Kennedys) ou Gordo (Ratos de Porao). Les clips (stupidement censurés au niveau des paroles, soit dit en passant) nous démontrent quant à eux que le groupe n’a pas seulement progressé musicalement : les vidéos ont suivi la même évolution. En effet, là où le clip de « Inner Self » servait uniquement de promotion pour le groupe, les vidéos réalisée pour les 3 singles de « Chaos AD » (« Slave New World », « Refuse / Resist » et « Terrority ») revêtent un véritable message politique. Le groupe fut d’ailleurs récompensé pour le clip de « Territory ».


« We are what we are » :

On reste dans les clips mais cette fois ceux de la période « Roots » accompagnés de commentaires du groupe quant à leur contenu, sujets abordés et making-of. L’esthétisme du clip de « Roots Bloody Roots » est vraiment parfait avec ses couleurs très chaude. Filmé dans à Salvador (où est né le percutionniste Carlinhos Brown, en guest sur l’album et dans le clip), il s’inspire beaucoup de la culture tribale ou du folklore brésilien. Petite spécificité du clip de « Ratamahatta » : le groupe n’apparaît pas dans la vidéo. Il décrit des scènes de pratiques occultes en pleine forêt amazonienne auxquelles prennent part des personnages en cartons-pâte façon « Wallace et Gromit » en décomposition. Enfin, le clip d’« Attitude », tourné dans un entrepôt de Los Angeles, montrent des scènes d’ultimate fighting pour lequel le groupe a recruté Royce Grace, figure brésilienne des combats de jiu-jitsu.


Les Bonus :

C’est le parent pauvre du DVD avec seulement une discographie que tout le monde connaît déjà en plus.


Je vous invite donc à faire l’acquisition de ce DVD d’excellente qualité, non pas pour enrichir les caisses déjà bien assez pleines de Roadrunner, mais surtout pour posséder ce qui est le meilleur témoignage vidéo d’un groupe majeur de l’histoire du metal.

Alors que l’on pensait No Return un peu moribond, la formation parisienne avait pourtant refait surface sous la forme d’un sextette surmotivé en 2000, sortant pour l’occasion l’un de ses meilleurs albums, « Self Mutilation ». Certainement ragaillardi par le très bon accueil reçu par le-dit album en Europe, No Return n’attendit pas longtemps pour lui fournir un successeur. C’est ainsi qu’en 2002 paraissait « Machinery », un album dans la droite ligne de l’orientation musicale de son prédécesseur (à savoir un Thrash-Death résolument moderne) mais néanmoins plus abouti encore, d’après moi.

En effet, les parisiens ont cette fois-ci mis le paquet, tant sur le fond que sur la forme. Pour ce qui est du fond, le groupe a choisi de faire de « Machinery » un album concept basé sur le thème de l’opposition homme-machines, sujet déjà abordé dans le milieu du Metal, notamment par Fear Factory. Tiens, d’ailleurs, tant que l’on est au stade des comparaisons, No Return affiche, sur ce disque, un autre point commun avec les américains : l’utilisation des synthés. A peine esquissés sur « Self Mutilation », les passages aux claviers font ici partie intégrante du paysage musical, donnant plus d’impact aux intros (Resurrection ou Synthetic), transcendant certains morceaux (les samples de violons sur Disease). D’ailleurs, nombreuses sont les nappes de synthé qui, subtilement utilisées, viennent appuyer et renforcer les parties de guitares.

Pour rester dans le domaine de la six-cordes, Alain et Benoît jouent un rôle prépondérant dans la grande variété de cet album. En effet, ils sont tout aussi à l’aise dans la compositions de riffs thrashy (Machinery, The Last Act), death mélodique (Resurrection) ou death technique (Biomechanoid) tout en nous gratifiant de soli aériens pas vraiment à la portée du premier venu (Disillusion, Disease). Didier (batterie), quant à lui, possède un jeu très précis et est tout aussi à l’aise dans les blasts typiquement death que dans les partie de grosse caisse-caisse claire autoroute connotées thrash. On regrettera cependant le son trop triggé et synthétique de son kit (cette remarque qui est d’ailleurs généralisable à la production de ce disque, pas assez organique à mon goût).

Enfin, autre évolution depuis « Self Mutilation » : le chant de Steeve. Certes, il reste majoritairement fidèle à son style vocal très thrash old-school (pas transcendant mais efficace tout de même) mais, surtout, il se risque à des parties de chant clair qui, globalement, sont plutôt bien exécutées et, là encore, apportent un touche de diversité bienvenue (Disease, The Last Act).

Du coup, selon moi, « Machinery » surclasse légèrement « Self Mutilation ». Les compositions sont en effets moins redondantes que sur le précédent disque, et nombreux sont les titres vraiment accrocheurs (Violator , Synthetic, Disillusion, Disease, The last act) que l’on écoutera en boucle sans se lasser. Toutes ces qualités font de « Machinery » un excellent album capable de rallier aussi bien fans de thrash, de death brutal ou de death mélodique.